Expositions

ZONÉ VERT
Définition : Des terrains zonés vert sont des portions de territoire dédiées au développement de l’agriculture et de la foresterie. Ils sont inscrits au schéma d’aménagement des municipalités et régions du Québec.

Michel Bachelet et Christine Juillard, artistes plasticiens, travaillent ensemble depuis 2006 et ont créé un groupe d'intervention du nom de Zoné Vert. Avec ce nom, ils veulent souligner leur appartenance à ce milieu de vie et à leur désir d’intervenir, de travailler en nature et avec la nature.

Ils ont participé et réalisé des oeuvres dans différents événements et symposiums d’Art in Situ au Québec et en France.
Leur recherche s’élabore autour des notions de paysage, des rapports étroits qu’entretiennent entre eux les différents éléments des écosystèmes, les contacts parfois désastreux, parfois bienheureux que l’homme entretient avec la nature.

Dans leurs oeuvres, ils accordent une large place à l’esthétisme et à l’ordonnance, ce qui les conduit à une précision des gestes posés et à un souci des détails. Leurs installations tiennent du formel, se structurent en fonction du site et, bien sûr du thème proposé, mais aussi de ce qui est généralement négligé par les regards posés sur les paysages.

IMPORT EXPORT
Installations

Sous un aspect formel et poétique, mêlant branches et matières d’emballage, arbre transformé et tiges souples, jouant avec les couleurs, les textures et la lumière et les différents états de la matière ligneuse, le projet d’installation évoquent un parallèle entre le sauvage et le domestiqué, entre la forêt vénérée et le mercantilisme du commerce international, entre l'intervention humaine et l'équilibre précaire des écosystèmes.

Elle :
Axe son travail sur l’intégration de textures : ramener les sensations du toucher, par le relief, l’interprétation de tant de facettes renouvelées. Accent sur les couleurs vibrantes obtenues grâce au marouflage de papier de soie sur support rigide et du collage de divers éléments. Avec cette façon de procéder, elle obtient des atmosphères et des transparences sortant de l’ordinaire.

Les marouflages partent toujours de papier rouge et bleu et me conduisent dans des dédales de formes et d’approches différentes et attachantes à la fois. Formes et mouvements s’imposent d’eux –même, émergeant des plis et déchirures laisser par le marouflage.

Lui :
Il est en constance recherche sur les matériaux : photocopies noir et blanc, plâtre, bois, pierres, etc. À ses sujets, l’intégration d’estampe numérique devient un nouveau procéder de création le faisant aller plus loin dans sa recherche.

Elle et lui :
Le traitement d’abord à l’acrylique puis à l’huile en couches transparentes successives de ces papiers résulte un effet accrocheur pour l’œil de l’observateur.

Artistes en arts visuels
rogera@rogeraudibert.com
mpoirier@michelinepoirier.com
418.521.2217
115, 11e rue
Québec (Qué.)
G1L 2L7

L’intérêt de peindre le reflet, sans inverser la toile, permet un geste plus libre où le sujet perd de sa définition initiale. La toile se bâtit de gestes intuitifs créant des formes incomplètes aux ouvertures omniprésentes. Le rendu est fait de fondus nuancés par la dynamique de l’eau.  Le reflet accentue la vibration de l’œuvre.

Luc Beaudoin a une pratique qui s’inspire d’une approche orientale, l’art Sumi-e (l’Art japonais de l’aquarelle à l’encre), où chaque geste de pinceau inspiré est fait dans un esprit Zen, paisible et serein, comme le Tai Chi Chuan méthode ancestrale mêlant mouvements et méditations. Chaque trace picturale laissée par le  pinceau détermine simultanément l’harmonie entre le sujet principal et son espace, en tenant compte du sujet aussi bien que de l’espace qu’il occupe.

La prédominance du blanc est dû au fait que l'artiste considère la toile blanche comme étant déjà « pleine et complète » avant même de commencer.  Donc, le premier jet de couleur ainsi que les suivants, demeurent à ses yeux, du « surplus » ajouté à la toile blanche déjà «pleine ».

Le support, le papier Yupo, un papier japonais très glacé, favorise la mouvance de l’eau. Celle-ci, en glissant sur le papier, au lieu de pénétrer comme elle le fait habituellement dans un papier d’aquarelle régulier, prend l’initiative et la spontanéité naturelle de créer ses propres nuances, ce qui surprend  l'artisite à chaque fois et l’inspire profondément. ''Un élan de me joindre à l’eau pour créer ce fait spontanément. La vivacité des couleurs de l’aquarelle perdure sur ce type de papier glacé, et « illumine » ma pupille! En espérant, qu’il en sera de même pour vous…''

Fascinée par le dessin sur papier, par la simplicité et la facilité à créer des mouvements avec le corps, Brigitte Blanchet aime dessiner des formes sensuelles sur grands formats. Ce travail avec le corps a toujours été présent dans sa pratique artistique. Par la suite, la découverte de la coloration devient une expérience picturale très importante. Comme l’enfant qui découvre son corps, sa peau, cette sensibilité tactile lui apporte toujours de grande satisfaction.

« Les toiles utilisées comme métaphore de la peau, sont travaillées par couches successives et évocatrices du sens du toucher. Elles offrent au regardeur comme des lambeaux de peau fragile qui oscillent à notre passage. Les teintes de chair s’imposent du blanc laiteux au rouge profond et la gestuelle des touches translucides imbibe la toile de part en part. Les collages de quelques dessins aux traits bruts et sensuels laissent apparaître quelques parties du corps dans des positions de replis, d’inconfort et de déséquilibre. La double perception provoquée par l’envers et l’endroit, les corps que l’on devine caché derrière, tout, contribuent à nous faire pénétrer l’univers sensible de la fragilité humaine.

»  (Brigitte Roy)